Entrevista: Richard Devine em Música, engrenagem, Software e seu amor de Modular

Pergunte: Como você entrou na música?

Meu primeiro contato com a música foi através de minha mãe para piano clássico aos 7 ou 8 anos de idade. Alguns dos primeiros compositores que me impressionou foram Bach, Debussy, Haydn e Chopin. Meu último professor de piano me apresentou a Erik Satie. Suas peças tinham tal estranha melancolia e realmente chegou até mim. Foi a primeira vez Id se interessado em ouvir e tocar mais de um determinado compositor.

"I realized I could actually play and write music as a form of enjoyment!"

Esse mesmo professor de piano não me trate como uma máquina (apenas ler e reproduzir peças corretamente), ele me queria encontrar compositores que eu gostava em um nível emocional. Ele incentivou-me a esquecer o aspecto técnico e manter-se com os movimentos e as mudanças na música que eu gostava. Foi então que eu percebi que eu poderia realmente jogar e escrever música como uma forma de diversão!

Pergunte: É que quando a música tornou-se sua busca principal?

Sim. Então, meu irmão e eu fui apresentado a diferentes gêneros de música, como hip hop e thrash metal, a música que veio junto com a cultura skate. Além disso, um monte de bandas punk DIY, que eu amei por sua energia crua. Parecia que algo dentro do meu alcance. Algo que eu poderia conseguir sozinha. Eu adorei a idéia de ser um quarto ou produtor garagem.

Mais tarde, fiquei fascinado com avant-garde, industrial e de ruído, techno, electro, house music cedo. Por volta dos 16 anos, eu comprei meu primeiro par de toca-discos e começou a discotecar, comprando toneladas de registros e, em seguida, cerca de um ano depois, eu pensei ITD ser muito legal para começar a fazer música. Quando a configuração Id DJ Id faixas para estar dentro de um gênero / som específico. É como levar o público nesta viagem, a partir de um ponto e terminando em outro ponto. Onde você levá-los entre esses dois pontos é inteiramente até você. É como esta montanha-russa sonora e você está basicamente sequenciar as faixas na mosca. Na verdade, é como uma forma primitiva de sequenciação e organização.

Pergunte: Qual foi sua primeira bateria eletrônica?

A primeira bateria eletrônica que recebi foi uma TR-909. Na época de 91/92, você pode encontrar essas máquinas analógicas clássicas para muito barato aqui em Atlanta. Eu sabia de um único outro produtor na época e eu realmente comprou seu 909! Ele era Chris Brann de das Crianças Wamdue. Ele me ensinou muitas coisas, porque tinha MIDI e gostaria de sequenciar-lo com o meu primeiro amostrador AKAI (comprado logo depois). Eu teria que estes tambores meio, metade seqüências de som que foi muito linear em grande estilo, mas me ensinou os fundamentos básicos da criação de uma faixa.

"I was amazed by artists like Speedy J and Autechre. That period for me was like the Renaissance period in electronic music."

Eu, então, adquiriu um TB-303 inspirado pelo som de ácido. Provavelmente o único grande ponto de viragem na época estava ouvindo o trabalho de Aphex Twin. Eu estava ouvindo os ritmos sincopados com alienígena percussão analógico. Foi assim com visão de futuro para mim era apenas revolucionário. Eu nunca tinha ouvido nada parecido, e eu sabia que eu adoraria fazer música assim. Isso me levou a descobrir toda uma série de outros produtores no gênero de dança experimental. Fiquei espantado com artistas como Speedy J e Autechre. Esse período para mim foi como o período do Renascimento na música eletrônica. Eles estavam levando um estilo muito linear baseada em música e retirando ritmos, sons, timbres em conceitos muito abstratos e diferentes. A forma como eles foram compor e tocar estas máquinas era tão futurista para mim.

Richard Devine tocar ao vivo!

Pergunte: Na década de 90 electrónicas estava em seu auge. Onde você sente o estado de EDM é de agora?

Bem, o seu explodiu; agora você tem gêneros no sub-gêneros de música. Existem centenas de estilos diferentes em relação ao que havia então. Você poderia ir em registros loja, youd ver talvez 20 a 30 diferentes gêneros de música. Agora youd ver pós-dubstep, grime dubstep, Reino Unido seja o que for, e você poderia facilmente ter 30 variações diferentes de dubstep. Agora, há 10 vezes mais pessoas fazendo música eletrônica. A tecnologia tornou isso possível. Naquela época era mais difícil de encontrar o equipamento certo, e não era barato. Muitas vezes não é fácil de usar qualquer um: apenas para obter tudo para sincronizar juntos foi um verdadeiro desafio e dor de cabeça. Agora é muito mais fácil minha 18 meses de idade, filha já está fazendo música usando apenas o iPad!

"My 18-month-old daughter is already making music using just the iPad!"

Agora você pode comprar Ableton ou Logic Pro X, que navio com gigabytes de conteúdo de áudio, você tem uma série de processadores de áudio, sons pré-definidos na caixa. É difícil de cometer erros agora, a menos que você criativamente não tomar boas decisões. Mesmo isso é difícil de fazer com o grande conteúdo que vem com DAWs de hoje. Eu teria adorado que quando eu comecei. Gostaria de obter um synth e não haveria nada, apenas um teclado, com opções predefinidas e que soou horrível. Você tinha que descobrir como usar cada peça de equipamento e lidar com suas limitações e deficiências.

Pergunte: Será que ter que lidar com essas limitações engrenagem restringir sua criatividade ou ajudá-lo a pensar fora da caixa?

Eu sempre fui uma dessas pessoas que trabalham melhor com limitações. Eu olhei para isso como mais uma centelha criativa para o meu trabalho. Tendo estas restrições podem fazer você pensar diferentemente sobre como você está indo para encontrar uma solução. Muitas das primeiras baterias eletrônicas e sintetizadores analógicos que eu tinha não tinha qualquer tipo de recursos de armazenamento pré-definidas. Então você tinha que começar do zero a cada vez. Foi muito bom em que você sempre começou moldar e conformar os sons antes de você começou a fazer qualquer música. Ele realmente fez você pensar sobre o que cada som faria e seu propósito na pista. Eu tive que fazer o melhor que eu tinha e ser criativo e assim descobri coisas através de tentativa e tribulação. Sinto que trabalhar de forma mais criativa quando eu uso apenas algumas peças do kit, ao invés de tentar usar tudo no meu estúdio.

"I work more creatively when I use just a few pieces of kit, rather than trying to use everything in my studio." 

Quando eu comecei a amostragem no meu amostrador AKAI digital, só tinha 8 MB de memória de amostra. Mais tarde, eu comprei o modelo mais caro, com 32 MB de memória, o que me deu apenas 1 minuto e 20 segundos de tempo de amostra. Eu me lembro de pensar Id ser capaz de fazer qualquer coisa! Id pensar Como posso fazer que 1 minuto 20 segundo realmente interessante e colorida. Então, você é forçado a pensar diferentemente sobre suas amostras e ser criativo com algumas das técnicas.

Eu não acho que necessariamente ter poder ilimitado e memória é uma coisa boa. Ela pode fazer você preguiçoso, e Ive sido culpado de que, agora que eu tenho o poder de processamento ilimitado e, por vezes, fazendo tudo no computador, na caixa, nem sempre se sente muito criativo. Eu era provavelmente mais criativo com as minhas limitações do que eu sou agora, com todas as opções, cada plug-in na ponta dos dedos.

Pergunte: Você ainda tem muito de seu equipamento original no seu estúdio?

Eu ainda tenho muitos dos meus antigos sintetizadores analógicos e drum machines. Por exemplo, o meu TR-808 e TB-303 (Devilfish) e meu ARP 2600. Id nunca possuiu um sintetizador modular antes de ter a 2600. É um ambiente semi-modular e há um módulo fixo que tem 3 osciladores, um filtro, ringmod e envelopes, etc Você começou uma amostra

Dentro atual estúdio de Richard.

Pergunte: Qual foi a primeira peça de software de música que você começou a usar?

Acho que a primeira foi CSound mostrado a mim por Don Hassler, que ensinou uma classe de som experimental na Faculdade de Arte de Atlanta. Ele também me mostrou outros ambientes de processamento primeiros baseados em Mac áudio como Soundhack, SuperCollider e eu estava completamente fascinado por tudo isso. Até então eu achava que os sons mais sofisticados só poderia ser feito com o hardware. Id pensado do computador basicamente como um gravador digital, não uma estação de trabalho de síntese. Lembro-me de ouvir a Paisagem SuperCollider FM corrigir Meu queixo caiu. Soou mais como os sons da natureza do que de uma aplicação informática! Eu simplesmente não estava ciente de que os computadores eram capazes de fazer tais sons suaves, líquidos e elegantes.

"I then came across Morton Subotnick’s music which blew my mind! I’d never heard anything like what he was doing on the Buchla synthesiser."

Eu, então, me deparei com Morton Subotnicks música, que também me surpreendeu! Id nunca ouvi nada parecido com o que ele estava fazendo no sintetizador Buchla. Foi para mim uma das mais avançadas, composições musicais orgânicos Id já ouvi. Não parecia linear ou seqüenciado com baterias eletrônicas e seqüenciadores de hardware. Era como organismos elétricos crescendo, vibrando, colidindo e se transformando em outro.

Em 1999, eu descobri o trabalho da Native Instruments com Generator (agora chamado Reaktor). É, basicamente, permitiu-lhe construir seus próprios sintetizadores dentro deste ambiente modular aberto. Eu acho que eu estava correndo em um computador de 66 MHz! Eu estava sempre à procura de coisas novas e eu tinha mudado minha atenção sempre a olhar para o hardware para olhar para tudo: software, ou qualquer tecnologia que me daria algo sonoramente diferente e, ao mesmo tempo que permitem que você criar coisas a partir do zero.

Pergunte: Mas youve manteve a maioria do seu hardware, é claro ...

Ah, sim! O computador é maravilhoso e eu ainda faço 90% de tudo sobre ele, mas há algo a ser dito sobre a interagir fisicamente com um instrumento: jogá-lo, moldá-lo, alterando parâmetros, aplicação de patches. Seu uma experiência terapêutica completamente diferente que você tem com este instrumento, como tocar uma guitarra, ou algo que está emocionalmente ligado ao seu cérebro e suas mãos. Sua semelhante à pintura ou desenho para mim. É como um fluxo de consciência que só acontece e é totalmente diferente de tentar programar notas musicais com um mouse de computador.

Pergunte: Você é conhecido por suas habilidades de design de som, e eu acredito que você está continuamente trabalhando em um monte de diferentes projetos de design de som e criação de patch?

Meu trabalho do dia-a-dia envolve o trabalho de uma série de projetos comerciais de design de som. No meu tempo livre eu trabalho com empresas de áudio desenvolver sons, patches para sintetizadores de hardware e software e baterias eletrônicas. Esses são os tipos de trabalhos que eu gostaria de fazer como um trabalho de amor, às vezes de graça, às vezes em troca do produto. Eu adoro isso, porque me permite conhecer uma tecnologia mais nova e eu começo a praticar a aplicação de algumas das minhas habilidades usando métodos de síntese mais recentes e ambientes novos. Eu olho para esses tipos de projetos, como mais de um tempo de pesquisa e desenvolvimento para mim.

Um dos complexos manchas Max MSP de Richard.

Pergunte: Conte-nos sobre qualquer youre synths usando e você está particularmente animado.

Bem, o mais recente projeto que trabalhei foi com Clavia Nord no Nord Lead 4 sintetizador. Acabei de terminar um banco de sons que você pode baixar gratuitamente a partir de seu site. Ive sido um grande fã Nord por anos desde o Nord Modular G1, que Sean Booth do Autechre originalmente virou-me para. Você poderia fazer tudo o patch no computador e, em seguida, enviar o patch para o hardware sintetizador e atribuir controles macro, morph atribuições, etc A idéia era gênio e tão à frente de seu tempo. Mais tarde eu comprei o G2 Nord, e ainda usar esse synth aqui em uma base regular.

Pergunte: Você pode nos dizer sobre qualquer coisa você está trabalhando agora?

Estou trabalhando com Akai em algo que deve estar chegando muito em breve. Im também trabalhando em uma coisa muito legal com Native Instruments, o que eu não posso falar agora, exceto para dizer itll ser muito legal e trazer nova vida aos seus sons.

Ive terminou recentemente trabalhando em uma assinatura do artista banco de 128 sons do sintetizador analógico Elektron Quatro e Im indo fazer sons para a sua nova máquina de tambor, o Analogue Rhythm. Ill estar trabalhando em um banco thatll som híbrido ser metade da amostra, kits de bateria metade sintetizados e seqüências, realmente ansioso para isso.

Ive também acaba de concluir o projeto de um banco inteiro de sons para Waldorf em seu novo aplicativo iOS, Nave. Foi um projeto muito divertido para trabalhar. Waldorf estão fazendo um retorno enorme e foi uma das mais interessantes e novas iOS virtuais synths que Ive trabalhou. Theres infinitas maneiras de manipular sons e qualquer um que me conhece vai dizer o quanto eu amo a síntese wavetable!

Pergunte: Você sente o iPad veio de idade como uma plataforma viável para a síntese de música?

Sim. Agora estavam tomando o próximo passo, onde o iPad não é um brinquedo. Eu me lembro quando Korg saiu com o IMS-20, que foi um grande salto também. Ele também nos trouxe verdadeiro nível de soft-synth de complexidade e qualidade de som para a plataforma iOS. Então Nave é como o próximo passo e me fez perceber que o iPad é agora um dispositivo grave para criação de música.

Pergunte: Há também havido muitos novos controladores de hardware: Empurre Ableton, Native Instruments Maschine, M-Audio Trigger Finger Pro, para citar apenas alguns. O hardware é emocionante você?

Acabei Maschine estúdio e eu adoro isso ea nova atualização de software 2.0. Im cavar o recurso tambor sintetizador de voz, onde se pode sintetizar seus próprios chutes, armadilhas, etc Im em fazer meus próprios sons de bateria, que eu acho que vem de usar sintetizadores modulares por tanto tempo. É tudo sobre a colocação de muitos elementos em conjunto para criar e moldar cada som de percussão em seu mix e eu adoro isso. Tudo então tem um toque caseiro a ele, ao invés de usar um timbre existente com amostras típicas.

A música de Richard parece muito também!

Pergunte: Qualquer hardware baseado não-controlador chamou sua atenção nos últimos tempos?

Eu peguei o Apollo gêmeo no estande da Universal Audio na NAMM. Im executando o Apollo Quad no meu estúdio fazendo um monte de rastreamento e masterização com ele. É um excelente produto e Twin parece ótimo, especialmente para pessoas como eu que precisam fazer algum local na gravação de campo local. Ive usou o Apollo Quad para que, no passado, mas o gêmeo é muito mais portátil. Acho theyve responderam a um grande necessidade de seus usuários e é um grande jogada de sua parte.

Pergunte: Qual é o seu DAW de escolha?

Eu uso o Nuendo, Logic Pro, Ableton Live e Pro Tools tudo! Eu uso o Ableton para os meus baseados em computador mostra performances ao vivo. Minha configuração típica consiste em um iPad rodando software Lemur e um Elektron Drum Machine / Monomachine isso é MIDI dentro de Max for Live sincronizado-relógio. É uma configuração muito louco, mas se presta a horas de experimentação e de bloqueio ao vivo. Eu tenho uma sessão que tem cerca de 300 clipes organizados em músicas diferentes e eu uso uma série de Max para dispositivos ao vivo para o processamento e sequenciamento, alguns que Ive criou sozinha.

Ableton 9, uma das muitas DAW Richard Devine utiliza.

O Max para a biblioteca on-line ao vivo é onde eu recebo outros dispositivos e seu um lugar tão impressionante para uma nova inspiração e idéias. É uma das coisas mais inteligentes Ableton ter feito. A sua comunidade (e mesmo com Reaktor, também) que mantém a longevidade do produto. Acho Reaktor e Max são os ambientes mais longos de pé para fora de tudo que eu usar, porque você sempre tem novas idéias de outras pessoas que você pode pesquisar e olhar para dentro para ver o que o torna tão único. Ou, você pode descobrir como construir algo mais eficiente. É muito parecido com trabalhar com um sintetizador modular: Não há nenhuma maneira certa ou errada, você está apenas tentando obter algo que soa legal.

Pergunte: Você gasta mais tempo a criatividade dentro ou fora de seu estúdio?

Weve acabou de construir um novo estúdio em nosso porão, que é bonito, e eu adoro passar o tempo na mesma. Mas, Ive sido tentando mudar o meu trabalho para que eu possa fazer mais trabalho onde quer que eu sou: café, aeroporto, quarto de hotel, etc Se eu despojado-lo de volta ao essencial, tudo o que precisa é de um MacBook Pro, iPad e um OP-1 sintetizador. O OP-1 por engenharia Adolescente é realmente um subtil, legal (e pequeno) som projetistas teclado workstation, porque tem de amostragem em tempo real, vários modelos de geração de síntese, modelagem física e maneiras fáceis de criar sons em movimento, além de theres alguma grande modos sequenciador que eu amo, e significa que você pode fazer deturpação de som e processamento em movimento. Além disso, eu também sempre levar meu gravador Zoom H6 comigo para gravação campo instante. Eu poderia fazer, provavelmente tudo com que a instalação e não precisa nem ser ligado ao meu estúdio.

A Starship! Definir phaser para atordoar ;-)

O estúdio é onde eu passar o tempo quando se trabalha em grandes projetos quando eu preciso gerar uma grande quantidade de conteúdo original e é bom ter acesso a um monte de sintetizadores vintage e esotéricos. Eu tenho tudo ligado e funcionando em um console Yamaha DM2000VCM, que é executado em um Mac Pro, que está constantemente a correr 24/7. Então, eu basicamente chamar canal e coisas registro, assim que seu sempre pronto.

Pergunte: Você tem alguma dica para compartilhar para aqueles que querem explorar design de som e produção de música eletrônica?

Bem, para a música eletrônica a primeira coisa é encontrar sua própria voz criativa. Encontre a música que fala com você a mais, a música que você mais gosta. Eu sei que as pessoas vão para fazer música para todos os tipos de razões diferentes, dinheiro, fama, etc, comecei a trabalhar no som e música, porque foi primeiro um hobby que eu realmente gostei, bem como a pintura ou a escultura. Era outra tomada artística para eu me expressar. Eu não tenho quaisquer outras intenções, em seguida, para fazê-lo por mim mesmo. A música que eu criar não era o mais popular e com certeza, eu não ganhar milhões e não tem milhões de fãs que me seguem, porque eu faço isso um pouco fora do caminho batido o estilo de música, que pode ser considerado mais acadêmico, às vezes. Mas, essa foi a minha voz, e isso é o que eu senti artisticamente me representava. Eu furei com isso. Eu acho que isso é realmente importante. Assim, encontrar um estilo que representa você e tentar fazer algo novo dentro desse reino. Ele pode ser uma coisa maravilhosa em que ele acabará por levar a algo novo que não aconteceu antes e você pode ser a sua própria assinatura sonora pessoal.

"Find a style that represents you and try to do something new within that."

Design de som pode ser o mesmo tipo de coisa também. Você precisa encontrar sua própria voz e estilo e desenvolver as habilidades que você tem que definir para além de a próxima pessoa. A tecnologia tornou muito mais fácil para que todos possam entrar em tudo isso. Neste ponto, qualquer um pode fazer música eletrônica ou ser um designer de som. Mas, é importante encontrar um nicho de algo que você é realmente bom no que o distingue de todos os outros. É importante trazer algo para a mesa isso é único e diferente.

"É importante encontrar um nicho de algo que você está realmente bom."

Também é importante perceber as realidades desta linha de trabalho. Uma das minhas coisas favoritas sobre ser freelancer é a enorme variedade de projetos que eu começar a trabalhar no ano após ano. Ele nunca fica velho, e você está constantemente enfrentando novos desafios que o obriguem a ser criativo em maneiras que você nunca pensou que poderia. É realmente emocionante para começar a trabalhar em um novo projeto, mas você tem que saber seus limites e aprender a andar sozinho. Sua melhor para si mesmo ritmo, e evitar a queima muito rapidamente. Assim, saber quando fazer pausas e agende o seu horário de trabalho em conformidade. Você nunca quer arriscar fazer um trabalho que não é o seu melhor, por isso é bom saber seus limites.

Você também tem que ter cuidado para não subestimar o tempo que vai levá-lo para obter um projeto especial feito. Agora tenho um pouco melhor compreensão sobre como dizer que os projetos vão ser um pesadelo para trabalhar, em comparação com projetos que estão bem dentro das minhas capacidades de trabalho. Cabe a você decidir se o projeto vale a pena tomar ou não. Muitas vezes o projeto não vai valer a pena o esforço e energia. Você vai ter que olhar para ele a partir de um ponto de vista financeiro e criativo. Será que vai valer a pena o meu tempo para fazer isso? O projeto irá ser divertido? Será que vou ganhar novas habilidades e experiência com isso? Será que o cliente utilizar melhor o meu talento como designer de som criativo? Será que este projeto ajudar a minha carteira?

Trabalhando como designer de som freelance tem muitos benefícios, mas também tem muitos desafios. Esteja aberto a críticas criativo e sempre procurar maneiras de melhorar o seu trabalho. Eu sempre digo às pessoas que vou ser um estudante para a vida!