Entrevista: Richard Devine en Música, Gear, Software y su amor de Modular

Pregunte: ¿Cómo te metiste en la música?

Mi primer contacto con la música fue a través de mi mamá para piano clásico a los 7 u 8 años de edad. Algunos de los primeros compositores que me llamó la atención fueron Bach, Debussy, Haydn y Chopin. Mi último profesor de piano me presentó a Erik Satie. Sus piezas tenían una extraña melancolía y realmente conseguido a través de mí. Tales Era la primera vez Id estado interesado en escuchar y jugar más de un determinado compositor.

"I realized I could actually play and write music as a form of enjoyment!"

Ese mismo profesor de piano no me tratan como a una máquina (de sólo lectura y reproducir piezas correctamente), él me quería encontrar compositores que me gustaban en un nivel emocional. Él me animó a olvidar el aspecto técnico y seguir el ritmo de los movimientos y los cambios en la música que me gustaba. Fue entonces cuando me di cuenta de que realmente podía tocar y escribir música como una forma de diversión!

Pregunta: ¿Es que cuando la música se convirtió en su búsqueda principal?

Sí. Entonces, mi hermano y yo nos introdujeron a diferentes géneros musicales como el hip hop y el thrash metal, la música que viene junto con la cultura skate. Además, un montón de bandas de punk de bricolaje, que me encantó por su energía cruda. Se sentía como si algo dentro de mi alcance. Algo que podía lograr por mi cuenta. Me encantó la idea de ser un dormitorio o productor garaje.

Más tarde, me quedé fascinado con el avant-garde, industrial y del ruido, techno, electro, house temprano. Alrededor de los 16 años, me compré mi primer par de platos y comenzó a pinchar, la compra de toneladas de discos y luego un año más tarde pensé itd ser realmente bueno para empezar a hacer música. Cuando la instalación de DJ Id Id pistas para estar dentro de un género / sonido específico. Es como tener a la audiencia en este viaje, comenzando en un punto y termina en otro punto. Cuando usted los toma entre esos dos puntos es totalmente de usted. Es como esta montaña rusa sónica y estás básicamente la secuencia de los temas sobre la marcha. De hecho, es como una forma temprana de la secuencia y la organización.

Pregunta: ¿Cuál fue su primera caja de ritmos?

La primera caja de ritmos que me dieron fue una TR-909. En el momento el 91/92 se puede encontrar estas máquinas analógicas clásicas por muy barato aquí en Atlanta. Sabía que sólo hay otro productor en ese momento y me compré el 909! Fue Chris Brann desde los Wamdue Kids. Me enseñó muchas cosas porque tenía MIDI y me secuenciar con mi primer sampler AKAI (comprado poco después). Tendría que estos tambores medio, secuencias de sonido medio que fue muy lineal en el estilo, pero me enseñó los fundamentos básicos de la creación de una pista.

"I was amazed by artists like Speedy J and Autechre. That period for me was like the Renaissance period in electronic music."

Entonces adquirí un TB-303 inspirado en el sonido de ácido. Probablemente el mayor punto de inflexión sola en ese momento estaba escuchando el trabajo de Aphex Twin. Yo estaba escuchando a los ritmos sincopados con el extranjero percusión analógica. Fue así que con visión de futuro para mí fue revolucionario. Nunca había oído nada igual, y yo sabía que me encantaría hacer música como esta. Eso llevó a mí descubrir toda una serie de otros productores en el género experimental de baile. Me quedé sorprendido por artistas como Speedy J y Autechre. Ese período para mí era como la época del Renacimiento en la música electrónica. Ellos estaban tomando un estilo muy basada lineal de la música y sacando ritmos, sonidos, timbres en conceptos muy abstractos y diferentes. La forma en que estaban componiendo y tocando estas máquinas era tan futurista para mí.

Richard Devine tocar en vivo!

Pregunta: En los años 90 electrónicos se encontraba en su mejor momento. ¿Dónde se siente el estado de EDM es ahora?

Bueno, es explotado; ahora tiene géneros en subgéneros de música. Hay cientos de diferentes estilos en comparación con lo que había entonces. Usted podría ir a los registros de la tienda, youd ver tal vez de 20 a 30 diferentes géneros de la música. Ahora youd ver post-dubstep, grime dubstep, Reino Unido lo que sea, y usted podría tener fácilmente 30 variaciones diferentes de dubstep. Ahora hay 10 veces más gente que hace música electrónica. La tecnología ha hecho posible. En aquel entonces era más difícil encontrar el equipo adecuado, y no era barato. Muchas veces no era fácil de usar, ya sea: sólo para conseguir todo para sincronizar juntos fue un verdadero desafío y dolor de cabeza. Ahora es mucho más fácil mi 18 meses de edad, hija ya está haciendo música con sólo el iPad!

"My 18-month-old daughter is already making music using just the iPad!"

Ahora usted puede comprar Ableton o Logic Pro X, que la nave con gigabytes de contenido de audio, usted tiene una gran cantidad de procesadores de audio, sonidos predefinidos en la caja. Es difícil equivocarse ahora, a menos que no te creativamente tomar buenas decisiones. Incluso eso es difícil de hacer con el gran contenido que se incluye en las aplicaciones musicales de hoy. Me hubiera encantado que cuando empecé. Me gustaría conseguir un sintetizador y no habría nada, sólo un teclado, con presets de fábrica que sonaba horrible. Había que encontrar la manera de utilizar cada pieza de equipo y hacer frente a sus limitaciones y deficiencias.

Pregunta: ¿Tener que lidiar con las limitaciones de engranajes limitar su creatividad o ayudarle a pensar fuera de la caja?

Siempre he sido una de esas personas que trabajan mejor con limitaciones. Miré a esto más como una chispa creativa para mi flujo de trabajo. Tener estas restricciones puede hacerte pensar diferente acerca de cómo usted va a encontrar una solución. Una gran cantidad de las cajas de ritmos y sintetizadores analógicos primeras que tuve no tenía ningún tipo de características de almacenamiento predefinidos. Así que había que empezar de cero cada vez. Fue genial en que siempre empezar la conformación y conforme los sonidos primero antes de empezar a hacer cualquier tipo de música. Lo que realmente hizo que usted piensa acerca de lo que cada sonido que haría y su propósito en la pista. Tuve que hacer lo mejor de lo que yo tenía y ser creativos y así descubrí cosas a través de prueba y tribulación. Siento que trabajo de manera más creativa cuando se utiliza sólo unas pocas piezas de kit, en lugar de tratar de usar todo lo que en mi estudio.

"I work more creatively when I use just a few pieces of kit, rather than trying to use everything in my studio." 

Cuando empecé el muestreo en mi sampler AKAI digitales que sólo tenía 8 MB de memoria de muestras. Más tarde me compré el modelo más caro con 32 MB de memoria, que me dieron sólo 1 minuto y 20 segundos de tiempo de la muestra. Recuerdo que pensé Id ser capaz de hacer cualquier cosa! Id piensan ¿Cómo puedo hacer que 1 minuto 20 segundos realmente interesante y colorido. Así que usted está obligado a pensar de forma diferente acerca de sus muestras y ser creativo con algunas de las técnicas.

No creo que necesariamente tenga poder ilimitado y la memoria es una buena cosa. Puede hacer que usted perezoso, y he sido culpable de que, ahora que tengo el poder de procesamiento ilimitada y, a veces haciendo de todo en el equipo, en el cuadro, no siempre se siente muy creativo. Yo era probablemente más creativos con mis limitaciones de lo que soy ahora, con todas las opciones, cada plug-in a mi alcance.

Pregunta: ¿Todavía tiene gran parte de su equipo original en su estudio?

Todavía tengo un montón de mis viejos sintetizadores analógicos y cajas de ritmos. Por ejemplo, mi TR-808 y TB-303 (Devilfish) y mi ARP 2600. Id nunca poseyó un sintetizador modular antes de tener el 2600. Es un entorno semi-modular y theres un módulo fijo que cuenta con 3 osciladores, un filtro, ringmod y sobres, etc Youve consiguió una muestra

Dentro del estudio actual de Richard.

Pregunta: ¿Cuál fue la primera pieza de software de música que empezó a usar?

Creo que la primera fue CSound demostrado a mí por Don Hassler que enseñó una clase de sonido experimental en la Escuela de Arte de Atlanta. También me mostró otros entornos de procesamiento principios basados ​​en Mac audio como SoundHack, SuperCollider y yo estaba totalmente fascinado por todo esto. Antes de eso pensé que los sonidos más sofisticados sólo se podían hacer con el hardware. Id estado pensando en el equipo como, básicamente, una grabadora digital, no es una estación de trabajo de síntesis. Recuerdo haber escuchado el parche Paisaje FM SuperCollider Mi quijada cayó. Sonaba más como los sonidos de la naturaleza que de una aplicación informática! Yo simplemente no me di cuenta de que los ordenadores son capaces de hacer este tipo de sonidos suaves, líquidos y elegantes.

"I then came across Morton Subotnick’s music which blew my mind! I’d never heard anything like what he was doing on the Buchla synthesiser."

Luego me encontré con la música de Morton Subotnicks, que también me dejó alucinado! Id nunca había oído nada parecido a lo que estaba haciendo en el sintetizador Buchla. Fue para mí algunas de las composiciones musicales más avanzadas, orgánicos Id he escuchado. No sonaba lineal o secuenciada con cajas de ritmos y secuenciadores. Era como organismos eléctricas creciente, vibrante, chocando y mutando en la otra.

En 1999, descubrí la obra de Native Instruments con generador (ahora llamados Reaktor). Es, básicamente, que permitió construir sus propios sintetizadores dentro de este entorno modular abierta. Creo que yo estaba corriendo en un equipo de 66 MHz! Siempre estaba buscando cosas nuevas y yo había cambiado mi atención desde siempre mirando hardware para mirar todo: software, o cualquier tecnología que me daría algo musicalmente diferente y al mismo tiempo le permitirá crear cosas de la nada.

Pregunte: ¿Pero usted ha mantenido la mayor parte de su hardware, por supuesto ...

Oh, sí! El equipo es maravilloso y yo todavía lo hacen el 90% de todo lo que contiene, pero hay algo que decir acerca de interactuar físicamente con un instrumento: jugar, darle forma, el cambio de los parámetros, parches. Es una experiencia terapéutica totalmente diferente que tiene con este instrumento, como tocar una guitarra, o algo que se conecta emocionalmente con tu cerebro y tus manos. Su similar a la pintura o el dibujo para mí. Es como una corriente de conciencia que le pasa y es completamente diferente de tratar de programar las notas musicales con un ratón de ordenador.

Pregunte: Youre bien conocidos por sus habilidades de diseño de sonido, y creo que usted está continuamente trabajando en un montón de diferentes proyectos de diseño de sonido y la creación de parches?

Mi trabajo en el día a día consiste en trabajar en una gran cantidad de proyectos de diseño de sonido comerciales. En mi tiempo libre yo trabajo con compañías de audio desarrollar sonidos, parches para sintetizadores de hardware y software y cajas de ritmos. Esos son los tipos de trabajo que me gusta hacer como un trabajo de amor, a veces de forma gratuita, a veces a cambio del producto. Me encanta porque me permite familiarizarse con la tecnología más reciente y me pongo a practicar la aplicación de algunas de mis habilidades usando métodos de síntesis más nuevos y ambientes nuevos. Miro a ese tipo de proyectos a medida que más de un tiempo de investigación y desarrollo para mi.

Uno de los parches complejos Max MSP de Richard.

Pregunte: Cuéntenos acerca de cualquier youre usando sintetizadores y ya está particularmente entusiasmado.

Bueno, el proyecto más reciente que trabajé fue con Clavia Nord en el Nord Lead 4 sintetizador. Acabo de terminar un banco de sonidos se puede descargar de forma gratuita desde su página web. He sido un gran fan Nord durante años desde que el Nord Modular G1, que Sean stand de Autechre originalmente me recomendó. Usted podría hacer toda la aplicación de parches en la computadora y luego enviar ese parche en el hardware del sintetizador y asignar controles macro, morphing asignaciones, etc La idea era genial y así por delante de su tiempo. Más tarde me compré el G2 Nord, y todavía utilizo ese synth aquí sobre una base regular.

Pregunte: ¿Puedes contarnos sobre cualquier cosa usted está trabajando ahora?

Estoy trabajando con Akai en algo que debería estar llegando muy pronto. También estoy trabajando en una cosa muy fría con Native Instruments, el cual no puedo hablar ahora, excepto para decir itll ser muy fresco y traer nueva vida a sus sonidos.

Ive acaba de terminar trabajando en un artista banco firma de 128 sonidos de sintetizador analógico Elektron Cuatro y Im que va a estar haciendo sonidos para su nueva caja de ritmos, la analógica Ritmo. La enfermedad esté trabajando en un sonido híbrido thatll banco sea la mitad de la muestra, kits y secuencias de batería media sintetizados, con muchas ganas de eso.

Ive también acaba de terminar el diseño de todo un banco de sonidos de Waldorf en su nueva aplicación para iOS, Nave. Fue un proyecto muy divertido para trabajar. Waldorf están haciendo un gran regreso y fue uno de los más interesantes y nuevas iOS virtuales sintetizadores que he trabajado. Theres un sinfín de maneras de manipular sonidos y cualquiera que me conozca le diré cuánto me gusta la síntesis de tabla de ondas!

Pregunte: ¿Cree usted que el iPad ha alcanzado la mayoría de edad como una plataforma viable para la síntesis de la música?

Sí. Fueron ahora tomar el siguiente paso en el que el iPad ya no es un juguete. Recuerdo cuando Korg salió con el IMS-20, que fue un gran salto también. También nos trajo verdadero nivel sintetizador virtual de complejidad y calidad de sonido a la plataforma iOS. Entonces Nave es como el siguiente paso y me hizo darme cuenta de que el iPad es ahora un dispositivo serio para la creación musical.

Pregunta: Theres también han pasado muchos nuevos controladores de hardware: Empuje Ableton, Native Instruments Maschine, M-Audio Trigger Finger Pro, por nombrar sólo unos pocos. ¿Qué hardware es emocionante ¿verdad?

Acabo de recibir Maschine Studio y me encanta y la nueva actualización de software 2.0. Im cavar la característica tambor sintetizador de voz, donde se puede sintetizar sus propias patadas, trampas, etc Im a hacer mis propios sonidos de batería, lo que supongo proviene del uso de sintetizadores modulares durante tanto tiempo. Todo es cuestión de poner muchos elementos juntos para diseñar y dar forma a cada sonido de percusión en su mezcla y me encanta eso. Entonces todo tiene un toque casero a la misma, en lugar de utilizar un sonido de batería existente con muestras típicas.

La música de Richard parece bastante también!

Pregunta: Cualquier tipo de hardware no basado en controlador llamado la atención en los últimos tiempos?

Cogí el Apolo gemelo en el stand de Universal Audio en el NAMM. Im ejecutando el Apollo Quad en mi estudio haciendo un montón de seguimiento y el dominio de la misma. Su un excelente producto y el gemelo se ve muy bien, sobre todo para la gente como yo que necesitan hacer alguna ubicación en la grabación de campo in situ. He utilizado el Apollo Quad para que, en el pasado, pero el doble es mucho más portátil. Creo que theyve respondió una gran necesidad de sus usuarios y su una gran jugada por su parte.

Pregunta: ¿Cuál es tu DAW de elección?

Yo uso Nuendo, Logic Pro, Ableton Live y Pro Todo Herramientas! Yo uso Ableton para mis espectáculos en vivo basados ​​en computadoras. Mi configuración típica consta de un iPad que ejecute el software Lemur y un Elektron Drum Machine / Monomachine eso es MIDI reloj sincronizado en Max for Live. Es una configuración muy loco, pero se presta a la hora de la experimentación y la interferencia en vivo. Tengo una sesión que tiene cerca de 300 clips organizados en diferentes canciones y utilizo una serie de Max como dispositivos de Live para el procesamiento y secuenciación, algunos que he creado yo mismo.

Ableton Live 9, una de las muchas aplicaciones de audio utiliza Richard Devine.

El Max for Live biblioteca en línea es donde consigo otros dispositivos y su un lugar tan impresionante para una nueva inspiración e ideas. Es una de las cosas más inteligentes Ableton han hecho. Su la comunidad (y lo mismo con Reaktor, también) que mantiene la longevidad del producto. Me parece Reaktor y Max son los entornos de mayor tradición de todo lo que uso porque constantemente tienen nuevas ideas de otras personas que se puede investigar y mirar dentro para ver lo que hace tan único. O bien, puede encontrar la manera de construir algo más eficiente. Es muy parecido al funcionamiento de un sintetizador modular: Theres ninguna manera correcta o incorrecta, usted está realmente tratando de conseguir algo que suena bien.

Pregunte: ¿Pasa más tiempo para llegar dentro creativo o fuera de su estudio?

Hemos sólo construyeron un nuevo estudio en el sótano, que es precioso, y me encanta pasar tiempo en ella. Pero, he estado tratando de cambiar mi flujo de trabajo para que pueda hacer más trabajo esté donde esté: cafetería, aeropuerto, habitación de hotel, etc Si me desnudé vuelta a lo esencial, todo lo que necesito es un MacBook Pro, iPad y un sintetizador OP-1. El OP-1 por Teenage Engineering es una, fresco (y pequeño) sonido diseñadores teclado de estación de trabajo muy peculiar, ya que tiene el muestreo en tiempo real, diferentes modelos de generación de síntesis de modelado físico y maneras fáciles para crear sonidos en el camino, además de los theres un gran modos del secuenciador me aman, y significa que usted puede hacer mangling y procesamiento de sonido sobre la marcha. Además, yo también siempre llevo mi grabadora zoom H6 conmigo para la grabación de campo instantánea. Yo podría hacer probablemente todo con esa configuración y ni siquiera necesita ser conectado a mi estudio.

La nave estelar! Establecer phaser para aturdir ;-)

El estudio es donde paso la época en que los proyectos grandes, cuando tengo que generar una gran cantidad de contenido original y es bueno tener acceso a una gran cantidad de sintetizadores clásicos y esotéricos. Lo tengo todo conectado y funcionando en una consola Yamaha DM2000VCM, que se ejecuta en un Mac Pro, que está constantemente en funcionamiento 24/7. Así que, básicamente, llamo canal y grabar cosas, por lo que su siempre listo.

Pregunta: ¿Tiene algún consejo para compartir para aquellos que quieran explorar el diseño de sonido y producción de música electrónica?

Bueno, por la música electrónica el número uno lo es encontrar tu propia voz creativa. Encuentra la música que te habla la mayoría, la música que más te guste. Sé que la gente va a hacer música para todo tipo de razones diferentes, el dinero, la fama, etc empecé a trabajar en el sonido y la música porque era primero un hobby que me gustó mucho, al igual que la pintura o la escultura. Fue otra salida artística para mí expresarme. Yo no tenía ninguna otra intención más luego de hacerlo por mí mismo. La música que creo que no era el más popular y seguro, yo no hice millones y no tiene millones de fans que me siguen, porque hago esta un poco fuera del camino trillado estilo de música, que podría considerarse más académica a veces. Pero, esa era mi voz, y eso es lo que sentí artísticamente me representaba. Me quedé con eso. Creo que eso es realmente importante. Por lo tanto, encontrar un estilo que usted representa y tratar de hacer algo nuevo dentro de ese reino. Puede ser una cosa maravillosa, ya que el tiempo dará lugar a algo nuevo que no ha sucedido antes y que puede ser su propia firma sonora personal.

"Find a style that represents you and try to do something new within that."

Diseño de sonido puede ser el mismo tipo de cosas también. Usted necesita encontrar su propia voz y estilo, y desarrollar las habilidades que tiene que distingue a la siguiente persona. La tecnología ha hecho mucho más fácil para todo el mundo para entrar en todo esto. En este momento cualquier persona puede hacer música electrónica o ser un diseñador de sonido. Pero, es importante encontrar un nicho de algo que usted está realmente bueno en que lo diferencie de los demás. Su importante traer algo a la mesa eso es único y diferente.

"Es importante encontrar un nicho de algo que usted es realmente bueno."

También es importante tener en cuenta las realidades de esta línea de trabajo. Una de mis cosas favoritas de ser freelance es la gran variedad de proyectos en los que ponerse a trabajar en el año tras año. Nunca pasa de moda, y que se enfrentan constantemente a nuevos retos que le obligan a ser creativos en maneras que nunca pensó que podría. Es realmente emocionante para empezar a trabajar en un nuevo proyecto, pero hay que conocer sus límites y aprender a su propio ritmo. Es mucho mejor mantener un ritmo, y evitar que se queme demasiado rápido. Así que saber cuándo hay que tomar descansos y programar sus horas de trabajo en consecuencia. Uno nunca quiere correr el riesgo de hacer un trabajo que no es la mejor, así que es bueno que conozca sus límites.

También tienes que tener cuidado de no subestimar el tiempo que le llevará a conseguir un proyecto en particular hace. Ahora tengo un poco mejor comprensión de cómo saber qué proyectos van a ser una pesadilla para trabajar, en comparación con los proyectos que se encuentran dentro de mis capacidades de trabajo. Depende de usted decidir si el proyecto es digno de tomar o no. Muchas veces, el proyecto no será la pena el esfuerzo y la energía. Usted tendrá que mirarlo desde un punto de vista financiero y creativo. ¿Será la pena mi tiempo para hacer esto? ¿El proyecto puede ser divertida? ¿Voy a ganar nuevas habilidades y la experiencia de todo esto? ¿El cliente de utilizar mejor mi talento como diseñador de sonido creativo? ¿Este proyecto ayudará a mi cartera?

Trabajando como diseñador de sonido freelance tiene un montón de ventajas, pero también tiene un montón de retos. Esté abierto a la crítica creativa y siempre busca maneras de mejorar su trabajo. Siempre le digo a la gente que voy a ser un estudiante de por vida!