Interview: Richard Devine auf Musik-, Zahnrad, Software und seine Liebe zu Modular

Fragen Sie: Wie bist du zur Musik gekommen?

Meine erste Begegnung mit Musik war über meine Mutter zu klassischen Klavier an 7 oder 8 Jahre alt. Einige der ersten Komponisten, die mir aufgefallen waren Bach, Debussy, Haydn und Chopin. Meine letzte Klavierlehrer hat mich mit Erik Satie. Seine Stücke hatten so eine seltsame Melancholie und wirklich durch zu mir. Es war das erste Mal, Id interessiert zu hören und spielen mehr von einem bestimmten Komponisten gewesen.

"I realized I could actually play and write music as a form of enjoyment!"

Das gleiche Klavierlehrer nicht behandeln mich wie eine Maschine (nur lesen und Stücke richtig zu spielen), er wollte mich zu Komponisten ich auf einer emotionalen Ebene zu finden mochte. Er ermutigte mich, den technischen Aspekt zu vergessen und halten mit den Bewegungen und Veränderungen in der Musik, die ich mochte. Es war dann, ich merkte, ich könnte tatsächlich zu spielen und Musik zu schreiben, als eine Form von Genuss!

Fragen Sie: Ist es das, wenn die Musik wurde Ihrem Haupt Verfolgung?

Ja. Dann bekam mein Bruder und ich auf verschiedene Musikrichtungen wie Hip Hop eingeführt und Thrash Metal, die Musik, die zusammen mit Skateboard-Kultur kam. Auch eine Menge von DIY-Punk-Bands, die ich für ihre rohe Energie geliebt. Es fühlte sich wie etwas in meiner Reichweite. Etwas konnte ich auf meinem eigenen zu erreichen. Ich liebte die Idee, ein Schlafzimmer oder in der Garage Produzent.

Später wurde ich fasziniert mit Avantgarde-, Industrie-und Lärm, Techno, Electro, frühe House-Musik. Rund um das Alter von 16 Jahren kaufte ich mir mein erstes Paar Turntables und begann DJing, kaufen Tonnen von Datensätzen und dann etwa ein Jahr später dachte ich, itd wirklich cool zu beginnen, Musik zu machen. Wenn Id Id DJ-Setup-Tracks in einem bestimmten Genre / Ton sein. Es ist wie unter das Publikum auf diese Reise, beginnend an einem Punkt und endet an einem anderen Punkt. Wo Sie sie zwischen diesen beiden Punkten zu nehmen, liegt ganz bei Ihnen. Es ist wie dieses Klangachterbahnfahrt und du bist im Grunde Sequenzierung der Titel auf der Fliege. In der Tat, es ist wie eine frühe Form der Sequenzierung und Vermittlung.

Fragen Sie: Was war Ihre erste Drum-Maschine?

Der erste Drum-Machine ich bekam, war ein TR-909. Zu der Zeit '91 / 92 Sie diese klassische analoge Maschinen für sehr billig hier in Atlanta finden konnte. Ich kannte nur einen anderen Hersteller in dieser Zeit und ich tatsächlich kaufte seine 909! Er war von Chris Brann aus den Wamdue Kinder. Es hat mich gelehrt, so viele Dinge, weil es MIDI und ich würde es mit meinem ersten AKAI-Sampler (bald nach gekauft) zu sequenzieren. Ich würde diese Halb Trommeln haben, die Hälfte Klangsequenzen, die sehr linear, wurde im Stil, aber hat mich gelehrt, die wesentlichen Grundlagen für die Einrichtung einer Spur.

"I was amazed by artists like Speedy J and Autechre. That period for me was like the Renaissance period in electronic music."

Ich habe dann erwarb eine TB-303 inspiriert durch den Sound von Säure. Wahrscheinlich der größte Wendepunkt in dieser Zeit hörte die Arbeit von Aphex Twin. Ich wurde zu den synkopierten Rhythmen hören mit fremden analoge Percussion. Es war so vorausschauend für mich war es einfach revolutionär. Ich würde so etwas noch nie gehört, und ich wusste, ich würde gerne Musik wie diese machen. Das führte mich die Entdeckung einer ganzen Reihe von anderen Herstellern in der experimentellen Tanz-Genre. Ich wurde von Künstlern wie Speedy J und Autechre erstaunt. Diese Zeit war für mich, wie die Zeit der Renaissance in der elektronischen Musik. Sie nahmen einen sehr linear-basierte Musikstil und Herausziehen Rhythmen, Klänge, Klangfarben zu sehr abstrakt und unterschiedliche Konzepte. Die Art, wie sie das Komponieren und Spielen dieser Maschinen war so futuristisch zu mir.

Richard Devine Live spielen!

Fragen Sie: Zurück in den 90er Jahren elektronische war in seiner Blütezeit. Wo fühlen Sie sich der Zustand des EDM ist jetzt?

Nun, es explodierte; Sie haben jetzt auf Unter Genres Genres der Musik. Es gibt hunderte von verschiedenen Stilen Vergleich zu dem, was es damals war. Sie könnten in Datensätze Shop gehen, youd sehen vielleicht 20 bis 30 verschiedenen Genres der Musik. Jetzt youd sehen post-dubstep, dubstep Schmutz, Großbritannien, was auch immer, und man konnte leicht haben 30 verschiedene Variationen von Dubstep. Jetzt gibt es 10-mal mehr Menschen, die elektronische Musik. Die Technologie hat dies möglich gemacht. Damals war es schwieriger, die richtige Ausrüstung zu finden, und es war nicht billig. Oft war es nicht benutzerfreundlich: lediglich, um alles zusammen zu synchronisieren, war eine echte Herausforderung und Kopfschmerzen. Nun ist es viel einfacher, Mein 18-Monate alte Tochter ist bereits Musik zu machen mit nur das iPad!

"My 18-month-old daughter is already making music using just the iPad!"

Jetzt können Sie Ableton oder Logic Pro X kaufen, welches Schiff mit Gigabyte Audio-Inhalte, eine Vielzahl von Audio-Prozessoren, Preset-Sounds in der Box haben Sie. Es ist schwer, Fehler zu machen, jetzt, wenn Sie kreativ nicht gute Entscheidungen zu treffen. Auch das ist schwer mit dem großen Inhalt, dass Schiffe mit DAWs von heute zu tun. Ich hätte gerne, dass, wenn ich anfing. Ich würde einen Synthesizer zu bekommen und es wäre nichts nur eine Tastatur, mit Werks-Presets, die schrecklich klang. Sie mussten herausfinden, wie jedes Gerät verwenden und sich mit seinen Grenzen und Schwächen.

Fragen Sie: Haben mit, um mit diesen Einschränkungen umgehen Getriebe beschränken Ihre Kreativität oder Ihnen helfen, über den Tellerrand?

Ive immer einer jener Menschen, die mit Einschränkungen besser zu arbeiten. Ich sah dies eher als kreativen Funken zu meinem Workflow. Mit diesen Einschränkungen können machen Sie anders darüber, wie du gehst, um eine Lösung zu finden glauben. Viele der frühen analogen Drum-Machines und Synthesizer, die ich hatte nicht jede Art von Preset-Speicherfunktionen. Sie hatten also von Grund auf neu jedes Mal zu starten. Es war toll, dass Sie beginnen immer die Gestaltung und die Töne entsprechen, bevor Sie angefangen, keine Musik. Es ist wirklich hat Sie über das, was jeder Ton wäre in der Spur zu tun und seinen Zweck zu denken. Ich musste das Beste, was ich machen und kreativ zu sein und so entdeckte ich die Dinge durch Prüfung und Drangsal. Ich glaube, ich arbeiten kreativer, wenn ich nur ein paar Stücke von Satz, anstatt zu versuchen, alles, was in meinem Studio zu verwenden.

"I work more creatively when I use just a few pieces of kit, rather than trying to use everything in my studio." 

Als ich anfing, Probenahme auf meiner Digital AKAI Sampler es hatte nur 8 MB Speicher für Samples. Später kaufte ich das teurere Modell mit 32 MB Speicher, die mir nur 1 Minute und 20 Sekunden der Probenzeit. Ich erinnere mich, Id der Lage, etwas zu tun! Id denke, Wie kann ich sicherstellen, dass 1. Minute 20 Sekunden wirklich interessant und bunt. So youre gezwungen, anders zu denken und Ihre Proben werden Sie kreativ mit einigen der Techniken.

Ich denke, dass unbedingt mit unbegrenzter Macht und Gedächtnis ist eine gute Sache nicht. Es kann Sie faul, und Ive schuldig gemacht, dass jetzt, dass ich unbegrenzte Verarbeitungsleistung und manchmal alles in den Computer, in die Box zu tun, nicht immer das Gefühl, sehr kreativ. Ich war wahrscheinlich mehr Kreativität mit meine Grenzen als ich jetzt bin mit jeder Option, jedes Plug-In an meinen Fingerspitzen.

Fragen Sie: Haben Sie noch viel von Ihrer Ursprungsgang in Ihrem Studio?

Ich habe immer noch viele meiner alten analogen Synthesizern und Drum-Maschinen. Zum Beispiel, mein TR-808 und TB-303 (Devilfish) und meine ARP 2600. Id nie im Besitz einer modularen Synthesizer, bevor mit dem 2600. Es ist ein semi-modulare Umwelt und Theres festen Modul, 3 Oszillatoren, einen Filter, Ringmodulation hat und Briefumschläge usw. Du Hast eine Probe

Innerhalb Richard aktuellen Studio.

Fragen Sie: Was war das erste Musikstück verwendeten Software gestartet?

Ich denke, der erste war CSound mir von Don Hassler gezeigt, die einen experimentellen Sound-Klasse auf dem Atlanta College of Art unterrichtet. Er zeigte mir auch andere frühe Mac-basierten Audio-Verarbeitungsumgebungen wie Soundhack, Supercollider, und ich war völlig von all dies fasziniert. Bis dahin dachte ich die raffiniertesten Sounds nur mit Hardware durchgeführt werden. Id nachgedacht des Computers als im Grunde ein digitales Tonbandgerät, nicht eine Synthese-Arbeitsstation. Ich erinnere mich, das Supercollider FM Landschaft patchen Meine Kinnlade herunter. Es klang mehr wie die Geräusche der Natur als einer EDV-Anwendung! Ich war einfach nicht bewusst, dass Computer waren fähig, wie glatt, flüssig und elegant klingt.

"I then came across Morton Subotnick’s music which blew my mind! I’d never heard anything like what he was doing on the Buchla synthesiser."

Ich kam dann über Morton Subotnicks Musik, die auch blies meinen Verstand! Id nie etwas wie das, was er auf dem Buchla Synthesizer tun gehört. Es war für mich einige der modernsten, organische Kompositionen Id je gehört habe. Es klang nicht linear oder mit Drum-Maschinen und Hardware-Sequenzer sequenziert. Es war wie elektrische Organismen wachsen, Vibrieren, kollidieren und mutiert zu einander.

Im Jahr 1999 entdeckte ich die Arbeit von Native Instruments mit Generator (heute Reaktor). Es besteht im Wesentlichen aktivieren Sie Ihre eigene Synthesizer in diesem offenen modularen Umgebung zu bauen. Ich glaube, ich wurde auf einem 66 MHz-Computer ausgeführt es! Ich war immer auf der Suche nach neuen Dingen, und ich meine Aufmerksamkeit von immer auf der Suche an Hardware, suchen sich alles verschoben hat: Software oder jede Technologie, die mir etwas geben würde, klanglich unterschiedliche und gleichzeitig erlaubt es dir, die Dinge von Grund auf neu erstellen.

Fragen Sie: Aber Sie über meisten Ihrer Hardware gehalten, natürlich ...

Oh ja! Der Computer ist wunderbar und ich immer noch 90% der alles drauf, aber theres etwas zu physikalisch interagieren mit einem Instrument gesagt werden: es spielen, Formen, verändern Parameter von Flicken. Es ist ein ganz andere therapeutische Erfahrung, die Sie mit diesem Instrument wie eine Gitarre spielt, oder etwas, das emotional auf Ihr Gehirn und Ihre Hände verbunden haben. Seine ähnlich wie Malen oder Zeichnen für mich. Es ist wie ein Strom des Bewusstseins, das passiert einfach und ist völlig verschieden von dem Versuch, Musik-Noten mit einer Computer-Maus zu programmieren.

Fragen Sie: Youre gut für Ihre Sound-Design-Fähigkeiten bekannt ist, und ich glaube, du bist ständig arbeiten auf vielen verschiedenen Sound-Design-und Patch-Erstellung Projekte?

Mein Tag-zu-Tag Arbeit beinhaltet Arbeits auf eine Menge von kommerziellen Sound-Design-Projekten. In meiner Freizeit arbeite ich mit Audio-Unternehmen entwickelt Sounds, Patches für Hardware-und Software-Synthesizer und Drum-Maschinen. Das sind die Arten von Arbeitsplätzen Ich mag als eine Arbeit der Liebe zu tun, manchmal kostenlos, manchmal im Austausch für das Produkt. Ich liebe es, weil es mir ermöglicht, mit neuer Technologie kennen zu lernen, und ich bekomme die Praxis der Anwendung einige meiner Fähigkeiten mit neuer Synthesemethoden und neueren Umgebungen. Ich schaue auf diese Art von Projekten eher als Forschungs-und Entwicklungszeit für mich.

Ein komplexer Max MSP-Patches Richards.

Fragen Sie: Erzählen Sie uns über jede Synths und youre youre mit besonders begeistert.

Nun, das letzte Projekt, das ich gearbeitet habe, war mit Clavia Nord auf der Nord Lead 4 Synthesizer. Ich habe gerade eine solide Bank, die Sie kostenlos von der Website herunterladen können beendet. Ive ein großer Fan Nord Jahren seit der Nord Modular G1, die Sean Booth von Autechre ursprünglich drehte mich auf. Sie könnten alle den Patch in den Computer tun und dann schicken Sie diesen Patch an den Synthesizer-Hardware und Makro zuweisen Kontrollen, die Morph-Zuweisungen etc. Die Idee war genial und so seiner Zeit voraus. Ich später kaufte die Nord G2, und immer noch, dass die Synth hier auf einer regulären Basis.

Fragen Sie: Können Sie uns sagen über alles youre arbeiten jetzt?

Im Zusammenarbeit mit Akai auf etwas, das ziemlich bald werden sollte. Ich arbeite auch an einem sehr coole Sache, mit Native Instruments, das kann ich nicht über die jetzt zu reden außer zu sagen, itll sehr cool und bringen neues Leben in Ihre Sounds.

Ive kürzlich beendete Arbeit an einer Künstlersignatur Bank 128 Sounds für das Elektron Analog-Synthesizer und Vier Im gehend, werden Klänge tun für ihre neue Drum-Maschine, die Analog Rhythm. Ill auf einer Hybrid-Soundbank thatll arbeiten halb Probe, halb synthetisiert Drum-Kits und Sequenzen, sehr gespannt darauf.

Ive auch nur die Gestaltung einer ganzen Soundbank für Waldorf auf ihrem neuen iOS-App, Mittelschiff beendet. Es war ein wirklich Spaß-Projekt zu arbeiten. Waldorf machen ein riesiges Comeback, und es war eine der interessantesten und neue virtuelle iOS Synths, die Ive gearbeitet. Theres unendlich viele Möglichkeiten der Manipulation von Klängen und jeder, der mich kennt, wird Ihnen sagen, wie sehr ich dich liebe Wavetable-Synthese!

Fragen Sie: Haben Sie das Gefühl das iPad hat im Alter als eine tragfähige Plattform für Musik-Synthese kommen?

Ja. Nahmen jetzt den nächsten Schritt, wo das iPad ist nicht mehr ein kleines Spielzeug. Ich erinnere mich, Korg kam mit dem iMS-20, das war ein großer Sprung zu. Es brachte uns auch echte Soft-Synth Komplexität und Klangqualität auf die iOS-Plattform. Dann Nave ist wie dieser nächsten Schritt und machte mir klar, dass das iPad ist jetzt ein ernsthaftes Gerät für Musik-Kreation.

Fragen Sie: Theres auch viele neue Hardware-Controller: Ableton Push Native Instruments Maschine, M-Audio Trigger Finger Pro, um nur einige zu nennen. Welche Hardware ist spannend, oder?

Ich habe gerade Maschine Studio und ich liebe es und die neue 2.0 Software-Update. Im Graben der Synthesizer-Stimme Trommel-Funktion, wo Sie Ihre eigenen Kicks synthetisieren, Schlingen etc. Im in meine eigenen Drum-Sounds, die ich schätze, kommt von mit modularen Synthesizern so lange. Sein alles darum, viele Elemente zusammen, um in Ihrem Mix Handwerk und Form jedes Percussion-Sound, und ich liebe nur. Alles hat dann eine hausgemachte Gefühl zu ihm, anstatt eine bestehende Drum-Voice mit typischen Proben.

Richard Musik sieht auch hübsch!

Fragen Sie: Jede nicht-Controller basierte Hardware haupt Auge spät?

Ich fing die Apollo Twin am Universal Audio Stand auf der Musikmesse. Im Betrieb des Apollo Quad in meinem Studio dabei eine Menge von Tracking-und Mastering mit ihm. Es ist ein ausgezeichnetes Produkt und die Twin sieht gut aus, vor allem für Leute wie mich, die etwas auf der Stelle Standort Feldaufnahme tun müssen. Ive verwendet, das Apollo Quad für die in der Vergangenheit, aber die Twin ist viel mehr tragbar. Ich denke, sie haben einen großen Bedarf, antwortete der Nutzer und sein ein großer Schritt von ihrer Seite.

Fragen Sie: Was ist Ihre DAW der Wahl?

Ich benutze Nuendo, Logic Pro, Ableton Live, Pro Tools und Alles! Ich benutze Ableton für meine Computer-basierten Live-Performance-Shows. Meine typische Konfiguration besteht aus einem iPad Lemur Software und ein Elektron Machine Drum / Monomachine das ist MIDI-Clock synchronisiert sich in Max for Live. Es ist eine ziemlich verrückte Setup, aber eignet sich für Stunden des Experimentierens und Live-Jamming. Ich habe eine Sitzung, die etwa 300 Clips in verschiedenen Songs angeordnet hat, und ich benutze eine Vielzahl von Max for Live-Geräten für die Verarbeitung und Sequenzierung, dass einige Ive erstellt habe.

Ableton Live 9, eine der vielen DAWs Richard Devine verwendet.

Die Max for Live Online-Bibliothek ist, wo ich andere Geräte und ihrer solch eine fantastische Ort für neue Inspirationen und Ideen. Es ist eines der intelligentesten Dinge Ableton getan haben. Es ist die Gemeinschaft (und das gleiche mit Reaktor, auch), die die Langlebigkeit des Produktes informiert. Ich finde Reaktor und Max sind die am längsten bestehende Umgebungen von allem, was ich verwenden, weil man ständig neue Ideen von anderen Menschen, die Sie erforschen und nach innen zu schauen, um zu sehen, was es so einzigartig macht kann. Oder können Sie herausfinden, wie man etwas effizienter zu bauen. Es ist sehr ähnlich wie die Arbeit mit einem modularen Synthesizer: Theres keine richtigen oder falschen Weg, du bist wirklich nur versucht, etwas, das cool klingt zu bekommen.

Fragen: Haben Sie mehr Zeit damit verbringen, immer kreativ innerhalb oder außerhalb Ihres Studios?

Weve gerade gebaut ein neues Studio in unserem Keller, der sehr schön ist, und ich liebe die Zeit in ihm. Aber Ive versucht, meinen Workflow zu verschieben, so kann ich mehr Arbeit zu tun, wo immer ich bin: Café, Flughafen, Hotelzimmer, etc. Wenn ich es wieder ausgezogen auf das Wesentliche, ist alles, ich brauche ein MacBook Pro, iPad und ein OP-1-Synthesizer. Der OP-1 von Teenage Engineering ist ein wirklich skurril, cool (und kleine) Sound-Designer Workstation-Tastatur, weil es Echtzeit-Abtastrate, verschiedene Synthese-Generation-Modelle, die physikalische Modellierung und einfache Möglichkeiten, um Geräusche auf dem Sprung zu schaffen, sowie einige große theres Sequenzer-Modi ich liebe, und bedeutet, dass Sie Sound-Mangeln und Verarbeitung auf dem Sprung zu tun. Außerdem habe ich auch immer meine Zoom H6-Recorder mit mir trage für Instant-Feld Aufnahme. Ich wahrscheinlich mit diesem Setup tun konnte alles und noch nicht einmal in mein Studio befestigt werden.

Die Starship! Set Phaser zu betäuben ;-)

Das Studio ist, wo ich verbringen viel Zeit bei der Arbeit an großen Projekten, wenn ich zu viel des ursprünglichen Inhalts und der guten generieren, um Zugang zu einer Menge von Vintage und esoterische Synthesizer haben. Ich habe alles angeschlossen und läuft in eine Yamaha DM2000VCM Konsole, die in einen Mac Pro, die ständig läuft 24/7 läuft. Also, habe ich im Grunde rufen Kanal und Rekord Zeug, so dass ihr immer bereit.

Fragen Sie: Haben Sie irgendwelche Tipps, die für diejenigen, die Sounddesign und Produktion elektronischer Musik zu erkunden teilen?

Nun, für elektronische Musik die Nummer eins ist, Ihre eigenen kreativen Stimme zu finden. Finden Sie die Musik, die Sie am meisten spricht, die Musik, die Sie am meisten Spaß. Ich kenne Leute in Musik machen für alle Arten von unterschiedlichen Gründen, Geld, Ruhm, etc. Ich begann in Klang und Musik zu gehen, denn es war zunächst ein Hobby, das ich wirklich genossen, ähnlich wie Malerei oder Skulptur. Es war ein weiterer künstlerischen Ausgang für mich, um mich auszudrücken. Ich hatte keine andere andere Absichten dann, um es für mich zu tun. Die Musik, die ich nicht zu schaffen, war das beliebteste und sicher, habe ich nicht Millionen zu machen und haben nicht Millionen von Fans, die mir folgen, weil ich diese etwas abseits der ausgetretenen Pfade Art von Musik, die berücksichtigt werden könnten mehr akademische manchmal. Aber, das war meine Stimme, und das ist, was ich fühlte mich künstlerisch vertreten. Ich steckte mit dem. Ich denke, das ist wirklich wichtig. So finden Sie einen Stil, der Sie vertritt und versuchen, etwas Neues in diesem Bereich zu tun. Es kann eine wunderbare Sache sein, dass es irgendwann etwas Neues, das nicht passiert ist, bevor führen und Sie können Ihre persönlichen Klang Unterschrift.

"Find a style that represents you and try to do something new within that."

Sounddesign kann die gleiche Art der Sache zu sein. Sie müssen Ihre eigene Stimme und Stil zu finden und die Fähigkeiten, die Sie haben, dass Sie abheben von der nächsten Person zu entwickeln. Die Technik hat es viel einfacher für alle, in all dies gemacht. An dieser Stelle kann man elektronische Musik machen oder ein Sound-Designer. Aber, es ist wichtig, eine Nische von etwas, das du bist wirklich gut darin unterscheidet Sie von allen anderen zu finden. Es ist wichtig, etwas auf den Tisch bringen, das ist einzigartig und anders.

"Es ist wichtig, eine Nische von etwas, das Sie wirklich gut zu finden."

Es ist auch wichtig, um die Realitäten dieser Linie der Arbeit zu realisieren. Einer meiner Lieblings-Dinge, über die freiberuflich ist die Vielfalt der Projekte, die ich bekommen, um auf Jahr für Jahr zu arbeiten. Es wird nie alt, und Sie sind ständig vor neuen Herausforderungen, die Sie zwingen, kreativ zu sein, wie du es nie gedacht, du könntest. Es ist wirklich spannend, die Arbeit an einem neuen Projekt, aber Sie müssen Ihre Grenzen kennen und lernen, selbst Tempo haben. Es ist viel besser, sich im Schneckentempo, und vermeiden Sie zu schnell ausbrennt. So wissen, wann sie Pausen machen und planen Sie Ihre Arbeitszeiten entsprechend. Sie wollen nie riskieren, die Arbeit, die nicht die beste, so dass ihr gut, Ihre Grenzen zu kennen.

Sie haben auch vorsichtig sein, die Zeit, die Sie nehmen, um ein bestimmtes Projekt durchgeführt, um nicht zu unterschätzen. Ich habe jetzt ein wenig besser begreifen, wie zu sagen, welche Projekte werden ein Alptraum auf der Arbeit, im Vergleich zu Projekten, die auch in meiner Arbeits Fähigkeiten sind. Es liegt an Ihnen zu entscheiden, ob das Projekt lohnt oder nicht. Viele Male das Projekt wird nicht sein, die Spannung und Energie wert. Sie müssen es aus einer finanziellen und kreativen Standpunkt aus betrachten. Wird es meine Zeit, dies zu tun wert sein? Wird das Projekt Spaß machen? Werde ich neue Kompetenzen erwerben und Erfahrungen aus der das? Will der Kunde am besten meine Talente zu nutzen als kreative Sounddesigner? Dieses Projekt wird helfen, mein Portfolio?

Die Arbeit als freischaffender Sound-Designer hat viele Vorteile, sondern hat auch viele Herausforderungen. Seien Sie offen für kreative Kritik und immer nach Möglichkeiten, um Ihre Arbeit zu verbessern suchen. Ich sage den Leuten immer, dass ich ein Schüler für das Leben sein!